#6
Oliver Sieber, J_Subs 2009

Noch gab es den Titel Imaginary Club nicht, aber ich war bereits auf dem Weg dorthin. J_Subs lag gerade oben auf dem Stapel, ebenso wie die Ausstellung im Fotomuseum Winterthur. Das Buch entstand ziemlich flott, im Herbst 2009. In seiner Form spielt es mit der Idee des Collectibles.

In einem Laden in London waren die Zines auf genau diese Weise archiviert, beschriftet und zum Kauf angeboten – das gefiel mir sehr. Die Banderole, wie sie viele japanische Bücher haben, gestaltete ich nach dem Vorbild des wöchentlichen Verkaufskatalog meines damaligen Lieblingsplattenladens in Osaka: Time Bomb Records.
Zu dieser Zeit gab es – ausgelöst 2004 durch Martin Parrs und Gerry Badgers Photobook-Volumes – so etwas wie einen Photobook-Hype. Bevor bestimmte Bücher überhaupt regulär auf den Markt kamen, waren sie bereits von Händlern und Sammlern aufgekauft. Das erinnert an die Ausgaben #1–#3 des legendären i-D Magazine, die zu absurden Preisen gehandelt wurden. Diese frühen Ausgaben waren noch getackert, bevor ab #4 die industrielle Klebebindung diese sympathische Form ablöste.

Meine Porträts selbst entstanden 2006 während unseres Residenzstipendiums in Osaka. Alles war fremd und neu.
Wie nehme ich Kontakt auf?
Wo fühle ich mich gut aufgehoben?
Welche Zeichen stehen mir zur Verfügung, um mich mitzuteilen oder einzuordnen?
Kleidung, Musik – Japan, ein Archiv der Jugendkulturen.
In Osaka gibt es viele kleine Clubs. Oft spielen dort drei bis fünf Bands hintereinander – genug Zeit, um als Teil des Publikums das Publikum zu beobachten. Oft wechselte das „Publikum“ dann auf die Bühne und war die Band. In den Umbaupausen holte ich eine weiße Papierrolle aus dem Gebüsch, klebte sie an eine Wand und fotografierte die davor, die ich mir ausgeguckt hatte. Früher hatte ich Personen oft ins Atelier bestellt und dann erschienen sie anders als ich sie irgendwo entdeckt hatte. Deshalb habe ich eine neue Arbeitsweise entwickelt, sodaß mir dieser Moment des ersten Interesses nicht mehr verlorengeht. Belohnt wurde ich dann durch rote Wangen, Takoyaki Soße in den Mundwinkeln, unperfektere Frisuren etc.

Akane, zwischen Rockabilly und Punk unterwegs hatte ich als erste fotografiert. Sie hatte ich in einem Klamottenladen entdeckt. Sie war so etwas wie eine Schlüsselfigur und öffnete Türen, nur weil andere sahen daß wir uns kannten.
Ein Zettel mit ein paar Zeilen auf Japanisch half sehr – nicht nur wegen der Sprachbarriere, sondern auch wegen der Lautstärke. Mein Buch mit meinen ersten Portraits (SkinModsTeds)hatte ich dabei, um meine Art zu fotografieren besser verständlich zu machen. Katja war so nett, alle Namen und Adressen zu notieren, da ich den Porträtierten gern Abzüge schicken wollte.
Dort, wo die meisten Fotos entstanden, ist heute eine Baulücke – der Club King Cobra existiert nicht mehr, beziehungsweise an einem anderen Ort. Die Erinnerung spielt mir beim Blick dorthin Bilder vor. Wieder dieses Blatt weißen Papiers.

Es hat eine Weile gedauert, bis ich verstand, dass diese Formen von Hairstyles, Tattoos, rasierten Köpfen, Iros usw. hier noch etwas anderes bedeuten als bei uns. Ich begann viel über Herkunft nachzudenken: darüber, welche Postleitzahl man sich leisten kann – oder muss – und über andere soziale Marker.
Daraus entstanden aber auch Möglichkeiten. Eigene Infrastrukturen entwickelten sich:
Spezielle Rockabilly-Friseure, Plattenläden, Kleidungsläden.

A propos Herkunft. In Düsseldorf aufgewachsen und arbeitend waren doch einige recht erstaunt über das Format meiner Bilder.
Struktur und Rhythmus sind mir beim Büchermachen wichtig. Die abgedruckten Flyer trennen die einzelnen Konzertbesuche voneinander. Alle, die dann folgten hatte ich an dem Abend fotografiert. Zu der Zeit sammelte ich viele Flyer, um für mich interessante Bands zu finden. Mich interessierte die Parallele zwischen dem britischen Musikeinfluss auf japanische Szenen und meine eigene Jugend in Deutschland. In dem Hochhaus nahe Sakaisuji-Hommachi wo wir untergebracht waren hörten wir manchmal Verfolgungsjagden auf den Hochstraßen vor unserem Fenster wo ein Polizeiwagen von einigen Bosozoku abgehängt wurde.
Für das Buch wählte ich ein sehr dünnes Papier. So scheint auf der linken Seite immer noch eine Spur der vorherigen Person durch.
Gruppe versus Individuum – was bedeutet das an unterschiedlichen Orten?
Über die Jahre und weitere Reisen nach Osaka traf ich viele der Porträtierten wieder. Sie waren älter geworden, aber im Kern unverändert. Die Szene blieb ähnlich.
2009 startete außerdem das von Markus Schaden initiierte Projekt La Brea Matrix, in dem sich sechs Fotografen – ja, ausschließlich Männer – mit einer Kreuzung in Los Angeles beschäftigten, ausgehend von einem ikonischen Foto von Stephen Shore.
2011 folgte in diesem Zusammenhang meine zweite Reise nach Los Angeles, diesmal allein, ohne Katja. Die Wahrnehmung ist eine völlig andere, wenn man alleine reist, als wenn man als vermeintliches Touristenpaar unterwegs ist.
Kurz vor meiner Abreise war ich in Düsseldorf auf einem Konzert von The Addicts, die ich dann auch direkt in Los Angeles,(im Key Club?) wieder sah. Ich war erstaunt über die Rezeption dieser betagten Punkband und über das sehr junge Publikum dort. In Düsseldorf dominierten eher grumpy old Punks.
Auch diese Arbeit fand erfreulicherweise Anklang in vielen Ausstellungen und Besprechungen. Das Thema scheint viele zu beschäftigen – Gedanken zu Musik, Stil, Gruppe und Individuum werden offenbar von vielen geteilt.

Zu dieser Zeit tourten auch die UK Subs. Katja und ich sahen sie in Tokio in einem kleinen Club. Es war sehr seltsam, eine der ersten wichtigen britischen Punkbands hier zu erleben – und Charlie Harper selbst verteilte die Flyer für die nächsten Gigs.
So entstand schließlich auch der Titel: J_Subs.
Christoph Schaden schrieb einen Text zu dieser Arbeit für das FOAM Magazin. Den durfte ich dann benutzen – vielen Dank dafür.
Das Buch erschien in einer von mir handgefertigten Auflage von 150 Exemplaren. Nachdem diese verkauft waren, fertigte ich weitere 50 aus Restbeständen an.
15 Exemplare der 1. Auflage kommen mit einem Siebdruck auf Cromulux Metallic Karton. Davon gibt es noch ein Exemplar. #144/150 (mit SD #9/15)
Die 66 teilige Arbeit bestehend aus c-type prints befindet sich als Dauerleihgabe in der Photographischen Sammlung der SK Stiftung Kultur in Köln.

#6
Oliver Sieber, J_Subs 2009

The title Imaginary Club didn’t exist yet, but I was already on my way there. J_Subs was at the top of the pile, as was the exhibition at Fotomuseum Winterthur. The book came together quickly, in the autumn of 2009. In its form, it plays with the idea of the collectible.
In a shop in London, the zines were archived, labeled, and offered for sale in exactly this way—I found it very appealing. I designed the belly band, as many Japanese books have, after the weekly sales catalog of my then-favorite record store in Osaka: Time Bomb Records.
At the time—sparked in 2004 by Martin Parr and Gerry Badger’s Photobook volumes—there was something like a photobook hype. Before certain books even hit the market, they were already snapped up by dealers and collectors. It reminded me of the legendary first three issues of i-D Magazine, which traded at absurd prices. Those early issues were still stapled, before industrial glue binding replaced this charming form from issue #4 onward.

My portraits themselves were created in 2006 during our residency in Osaka.
Everything was foreign and new. How do I make contact? Where do I feel at home? What signs are available to me to communicate or find my place? Clothing, music—Japan, an archive of youth cultures.
In Osaka, there are many small clubs. Often, three to five bands play one after another—enough time to observe the audience as part of the audience. Often, the “audience” would then take the stage and become the band. During the breaks, I’d pull a roll of white paper from the bushes, stick it to a wall, and photograph those I had picked out. Before, I used to invite people to my studio, but they would arrive different from how I had first seen them. So I developed a new way of working, so as not to lose that initial moment of interest. I was rewarded with red cheeks, Takoyaki sauce in the corners of mouths, less perfect hairstyles, and so on.

Akane, who moved between rockabilly and punk, was the first I photographed. I had discovered her in a clothing store. She was something of a key figure, opening doors just because others saw that we knew each other.
A note with a few lines in Japanese helped a lot—not just because of the language barrier, but also because of the noise. I carried my first book of portraits (SkinModsTeds) with me to make my photographic approach more understandable. Katja was kind enough to note down all the names and addresses, as I wanted to send prints to those I photographed.
The place where most of the photos were taken is now a gap in the cityscape—the King Cobra club no longer exists, or at least not in the same place. When I look there now, memories play images before my eyes. Again, that sheet of white paper.

It took me a while to understand that these forms of hairstyles, tattoos, shaved heads, and the like meant something different here than they do back home. I began to think a lot about origin: about the postal codes one can afford—or must afford—and other social markers.
But opportunities also arose from this. Own infrastructures developed: specialized rockabilly barbers, record stores, clothing shops.
Speaking of origin. Having grown up and worked in Düsseldorf, some people were quite surprised by the format of my images.
Structure and rhythm are important to me in bookmaking. The printed flyers separate the individual concert visits from each other. Everyone who followed was photographed that evening. At the time, I collected many flyers to find bands that interested me. I was fascinated by the parallel between British musical influence on Japanese scenes and my own youth in Germany. In the high-rise near Sakaisuji-Hommachi where we stayed, we sometimes heard police chases on the elevated highways outside our window, where a police car was outrun by some Bosozoku.
For the book, I chose very thin paper. On the left side, a trace of the previous person always seems to remain. Group versus individual—what does that mean in different places?

Over the years and further trips to Osaka, I met many of those I had photographed again. They had grown older, but at their core remained unchanged. The scene stayed much the same.
In 2009, Markus Schaden also initiated the project La Brea Matrix, in which six photographers—yes, exclusively men—engaged with an intersection in Los Angeles, starting from an iconic photo by Stephen Shore.
In 2011, as part of this, I made my second trip to Los Angeles, this time alone, without Katja. The perception is completely different when you travel alone than when you’re seen as a tourist couple.
Just before my departure, I was at a concert by The Addicts in Düsseldorf, whom I then saw again directly in Los Angeles (at the Key Club?). I was amazed by the reception of this aging punk band and the very young audience there. In Düsseldorf, the crowd was more like grumpy old punks.
This work, too, fortunately found resonance in many exhibitions and reviews. The theme seems to occupy many people—thoughts about music, style, group, and individual are apparently shared by many.
Around this time, the UK Subs were also touring. Katja and I saw them in Tokyo in a small club. It was very strange to experience one of the first important British punk bands here—and Charlie Harper himself was handing out flyers for the next gigs. Thus, the title J_Subs finally emerged.
Christoph Schaden wrote a text about this work for FOAM Magazine. I was allowed to use it—many thanks for that.

The book was released in a handmade edition of 150 copies. After these sold out, I produced an additional 50 from remaining stock. 15 copies of the first edition feature a screen print on Cromulux Metallic cardstock. One copy remains available: #144/150 (with SD #9/15).
The 66-part work, consisting of c-type prints, is on permanent loan to the Photographic Collection of the SK Stiftung Kultur in Cologne.

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#5
Katja Stuke, Könnte sein (Could Be)
Kodoji Press 2008

Ich starte direkt mit einem Zitat aus Katjas Buch. Vikram Chandra schreibt: »Aus den eingehenden Daten und dem im Gedächtnis gespeicherten Material formt das Gehirn eine Geschichte, und diese Geschichte halten wir für die Realität.«

Wie werden Bilder betrachtet, gelesen und beurteilt? Und wer tut dies? Ich schaue auf das Cover der Platte Krieg der Welten von Orson Welles, während ich unsere Mittelformatkamera kontrolliere, die zum Verkauf steht. Katja hat sie meist benutzt, um ihre charakteristische Bildästhetik zu entwickeln. Auf Fuji-Reala-Rollfilm, vor einem unserer damaligen Röhrenmonitore sitzend, stundenlang, um den richtigen Moment nicht zu verpassen.

Das passiert heute digital und mit aktuelleren Monitoren. Die Geräte haben sich verändert, und eine Generation löste die andere ab – in immer kürzeren Intervallen. Jetzt sind es nicht mehr die komplementären Farbverläufe der alten Geräte, die herausfordern, sondern andere technische Phänomene tauchen auf, wie zum Beispiel Moiré.
Los ging es im Jahr 2000, während der Olympischen Spiele in Sydney, als Katja mitten in der Nacht aufsteht, um live vom Fernseher abzufotografieren. Ich habe dann für sie die Kontakte und ersten Abzüge in unserem Labor gemacht.

Zu der Zeit vertrauten wir den Nachrichten und Zeitungen – trotz ihrer politischen Färbung – inhaltlich noch recht bedingungslos. Zumindest den öffentlich- rechtlichen. Wo das Druckraster für die Umsetzung in Print nötig ist, ist es hier die Bildfrequenz, die das Raster bestimmt. Gedruckt war echt. Was im Radio und Fernsehen lief, auch. CCTV ist ein Thema: überwachen, urteilen.
Die Nachrichtenbilder wurden dann selbst zum Thema, und Spielfilme ebenso wie Games, eigene Filmaufnahmen und Fotos gesellten sich zueinander.
Das Buch ist in Zusammenarbeit mit Kodoji Press entstanden. Der Name Kodoji kommt von einer kleinen Bar in Tokio, die uns zu unserer ANT!FOTO Bar inspiriert hat – ebenso den Verleger Winfried Heininger. Eine schöne Koinzidenz.

Christoph Hochhäusler schreibt einen sehr schönen Beitrag in dem Buch. Christoph kennen wir schon lange, und wir folgend gegenseitig unserer Arbeit. Wir haben uns über das gemeinsame Interesse am Publizieren kennengelernt: er mit dem Revolver Film-Magazin und wir mit unseren Zines (damals noch Frau Böhm, später dann nur noch Böhm. Danke Christoph.
Sein Blick als Filmemacher auf Fotografie interessiert uns sehr. In zwei seiner Filme tauchen dann auch welche von unseren Bildern auf.
Einige der meist in Tableaus zusammengestellten Arbeiten aus der Werkgruppe CCTV befinden sich unter anderem in der Photographischen Sammlung der SK Stiftung Kultur in Köln.

#5
Katja Stuke, Könnte sein (Could Be)
Kodoji Press 2008

I’ll start right away with a quote from Katja’s book:
Vikram Chandra writes: »From the data from the outside, and from the material of memory, the brain makes up a story, and that story is what we think is reality.«

How are images viewed, read, and judged? And who does this? I look at the cover of Orson Welles’ War of the Worlds record while checking our medium-format camera, which is for sale. Katja mostly used it to develop her characteristic visual aesthetic—on Fuji Reala roll film, sitting for hours in front of one of our CRT monitors, waiting for the right moment.
Today, this happens digitally and with more modern screens. The devices have changed, and one generation replaces the next at ever-shorter intervals. Now, it’s not the complementary color gradients of old monitors that challenge us, but other technical phenomena, like moiré.

It all began in the year 2000, during the Olympic Games in Sydney, when Katja got up in the middle of the night to photograph the TV screen live. I then made the first contacts and prints for her in our lab.
At that time, we still trusted the news and newspapers—despite their political biases—quite unconditionally. At least in public broadcasting. Where the print screen was needed for print, here it was the image frequency that determined the grid. Printed was real. What was on radio and TV was real, too. CCTV is a topic: surveillance, judgment. News images then became the subject themselves, and feature films, games, her own film footage, and photos joined together.

The book was created in collaboration with Kodoji Press. The name Kodoji comes from a small bar in Tokyo that inspired us to open our ANT!FOTO Bar—and also the publisher Winfried Heininger. A nice coincidence.
Christoph Hochhäusler wrote a wonderful contribution to the book. We’ve known Christoph for a long time, and we follow each other’s work. We met through our shared interest in publishing: he with Revolver film-magazine, and us with our zines (back then still Frau Böhm, later just Böhm). His perspective as a filmmaker on photography is very interesting to us. Some of our images even appear in two of his films. Merci Christoph.
Several works from the CCTV series, mostly arranged in tableaus, are now,among others, part of the Photographic Collection of the SK Stiftung Kultur in Cologne.

More information about CCTV

#4
Oliver Sieber, Character Thieves
Schaden com feat. Boehmkobayashi Publishing, 2007

Noch vor unserer ersten Osaka-Residenz 2006 saßen wir immer gern in einem Café auf der Immermannstraße in Düsseldorf, das von drei spanischen Schwestern geführt wurde. In dieser Gegend herrschte ein angenehmes Nebeneinander von japanischen Supermärkten und anderen Läden. Samstags zogen die ersten Cosplayer an uns vorbei. Ich begann zu recherchieren – und fand es zunehmend spannend, mich damit näher zu beschäftigen.
Für Gruppenzugehörigkeiten und individuelle Identitäten interessierte ich mich schon lange. Bis dahin war Musik oft ein bestimmendes Element gewesen.

„Identität und Stadt“ war bereits Thema beim Citizens Handbook, und ich begann, die jungen Cosplayer bei sich zu Hause in ihrem Umfeld zu fotografieren – ebenso wie das, was mir in der Umgebung und auf dem Weg zu ihnen auffiel. Was macht ein Porträt aus? Wie erfahre ich etwas über jemanden?

Die Rollen, die die Personen cosplayten, verrieten mir durch ihre Maskierung erstaunlich viel über ihr Inneres – ganz ohne viele Worte. Ich las die Mangas, aus denen die Figuren stammten, oder sah die entsprechenden Animes. Ich sprach nicht über die Personen selbst, sondern über die Figuren, die sie sich ausliehen.

Interessanterweise erlebte ich ein weltweites Massenphänomen, das – anders als die Sub- oder Gegenkulturen, die ich bisher kannte – auf einer für Erwachsene kaum wahrnehmbaren Ebene stattfand. Die Jugendlichen kommunizierten über Chats und trafen sich dann zum Beispiel hier in Düsseldorf oder auf Conventions, wo sie unter sich in Welten japanischer Kultur eintauchten. Die Welt der Eltern funktionierte dabei wie eine Kulisse. Es war mir wichtig, diesen Kontrast zwischen Innenwelt und Außenwelt im Bild mitzudenken. Die Personen selbst freuten sich über mein Interesse, doch das Bild, das ich machte, war für sie weniger bedeutend. Sie trafen und fotografierten sich lieber selbst – etwa in japanischen Gärten oder an anderen ausgewählten Orten.

Katja und ich waren zu dieser Zeit viel auf Reisen, sodass ich dieser weltweiten Jugendkultur in Kanada, den USA, Deutschland und kurz darauf auch in Japan folgen konnte. Cosplay ist in Japan nicht wirklich öffentlich anzutreffen – anders, als man vielleicht annimmt. Für mich wurde der Zugang erst möglich durch das Stipendium, das Katja und ich im Rahmen des Düsseldorf–Osaka-Austauschs erhielten. Yasuko-san und Kaoru-san, den beiden betreuenden Kuratorinnen, die vieles für uns managten, sei Dank. Der Text von Mariko Takeuchi hat mich sehr gefreut. Sie selbst war überrascht über meine Anfrage. Danke, Mariko.

Finanziert haben wir das Buch durch den Verkauf einer Edition von C-Prints sowie durch das Angebot, die Namen der Käufer*innen im Buch zu nennen. Es folgten Ausstellungen auf der ganzen Welt, und ich habe mich sehr über das Interesse der Bundeskunsthalle Bonn, des Kunstpalasts Düsseldorf, des NRW-Forums und vieler weiterer Institutionen gefreut. Zudem gab es Besprechungen im Kunstforum sowie Beiträge in Büchern über jugendliche Stile und Phänomene.
Das letzte Bild im Buch, ein Visual Kei Cosplay des Sängers Reita von Gazette, leitet über zu Imaginary Club. Wie so oft stehen alle unsere Publikationen in Bezug zueinander.

#4
Oliver Sieber, Character Thieves
Schaden com feat. Boehmkobayashi Publishing, 2007

Even before our first Osaka residency in 2006, we loved spending time in a café on Düsseldorf’s Immermannstraße, run by three Spanish sisters. The neighborhood was a pleasant mix of Japanese supermarkets and other shops. On Saturdays, the first cosplayers would walk past us. I started to research—and found it increasingly fascinating to explore this world more deeply.

I had long been interested in group identities and individuality. Until then, music had often been the defining element. “Identity and City” was already a theme in the Citizens Handbook, and I began photographing young cosplayers in their homes and surroundings, as well as what caught my eye in the neighborhood and on the way to their places. What makes a portrait? How do I learn something about someone?

The roles the cosplayers embodied revealed surprisingly much about their inner selves through their masks—without many words. I read the manga the characters came from or watched the corresponding anime. I didn’t talk about the people themselves, but about the figures they borrowed.
Interestingly, I was witnessing a global mass phenomenon that—unlike the subcultures or countercultures I knew before—took place on a level barely perceptible to adults. The young people communicated via chats and then met in places like Düsseldorf or at conventions, immersing themselves in worlds of Japanese culture. The world of their parents served as a mere backdrop. It was important to me to reflect this contrast between inner and outer worlds in my images. The cosplayers themselves were pleased by my interest, but the photographs I took were less significant to them. They preferred to meet and photograph each other—in Japanese gardens or other carefully chosen locations.

Katja and I were traveling a lot at the time, which allowed me to follow this global youth culture in Canada, the USA, Germany, and soon after, in Japan. Cosplay is not actually a public phenomenon in Japan—contrary to what one might assume. My access only became possible through the scholarship Katja and I received as part of the Düsseldorf–Osaka exchange. Many thanks to Yasuko-san and Kaoru-san, the two curators who managed so much for us. I was especially pleased by Mariko Takeuchi’s text. She herself was surprised by my request. Thank you, Mariko.

We funded the book through the sale of a limited edition of C-prints and by offering to list the names of buyers in the book. Exhibitions followed worldwide, and I was delighted by the interest from institutions such as the Bundeskunsthalle Bonn, Kunstpalast Düsseldorf, NRW-Forum, and many others. There were also reviews in Kunstforum and contributions in books about youth styles and phenomena.
The last image in the book, a Visual Kei cosplay of the singer Reita from Gazette, transitions to Imaginary Club. As often happens, all our publications are connected.

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#3
Oliver Sieber, Die Blinden
Schaden com 2004

Dieses Katalogbuch erschien zur Ausstellung im Leopold Hoesch Museum Düren, kuratiert von Kerstin Stremmel, die ebenfalls den Text des Buches verfass hat. Danke, Kerstin.

Mich interessierte zu dieser Zeit vor allem meine Rolle als Bildproduzent. Einerseits beschäftigte mich die Frage, welche Relevanz (meine) Bilder haben. Andererseits das Verhältnis zwischen mir und den Menschen, denen ich begegne, die ich fotografiere und denjenigen, die diese Bilder später betrachten. Es ging um die Frage nach Identität: wie entsteht sie, wie wird sie zugeschrieben und wie sehr hängt sie von Blicken ab – von den Blicken der anderen, aber auch von meinem eigenen. Was bedeutet ein Blick? Was sagt ein Lächeln oder eine bestimmte Mimik? Welche Erwartungen oder Abhängigkeiten entstehen daraus? Bis heute beschäftigen mich die Zeilen aus Kerstins Text über Menschen, die bei ihrer eigenen Exekution in eine anwesende Kamera lächelten.

Was ist ein Bild – und für wen existiert es?
Und was ist ein Blick – und an wen richtet er sich?

Ich blättere gern durch Bücher mit leeren Seiten. Auch wenn es paradox erscheint: Das Blättern ist wichtig. Die Geste ist entscheidend. Blättern ist wie Gehen – eine fortlaufende Bewegung, in der sich langsam eines zum anderen fügt. Ähnlich empfinde ich den Prozess des Fotografierens. Er war weniger ein Akt der Bildproduktion als eine Geste der Kommunikation. Der fertige Print erschien mir dabei fast zweitrangig.

Die Menschen, mit denen ich arbeitete, waren aus unterschiedlichen Gründen blind: durch einen Schock, durch (politische) Gewalt, durch einen Unfall, durch Krankheit; einige waren blind geboren. Schön war, dass viele der Personen, die ich fotografiert hatte zur Eröffnung kamen. Meist mit Begleitpersonen, die die Vermittlung und Interpretation übernommen hatten. Über Bilder zu sprechen und sie nicht zu sehen ist eine Herausforderung.

Eine junge Frau sagte während der Arbeit zu mir: „Ich möchte schön aussehen.“ Was bedeutet das. Der fotografierte Blick kann Mittel sein, Kontrolle auszuüben oder sie zu entziehen. Können Fotografien als Stellvertreter von Menschen funktionieren oder sind sie doch eher Spiegel? Welche Rolle spielt Fotografie in der Konstruktion von Identität? Und wie kann ich wissen, was eine Person in dem Moment denkt, in dem das Bild entsteht? Im Verlauf dieses Projekt wurde sehr deutlich, dass Fotografie hier keine zentrale Rolle spielte – zumindest nicht die, die ihr oft zugeschrieben wird.

Gleichzeitig arbeitet ich zu der Zeit noch an vier anderen Serien: mit jungen Frauen, die Fußball spielen, mit Transpersonen, mit Frauen, deren Stimmen wir von unseren Mobilboxen (D1/D2) kannten, und mit Teenagern, deren kleinster gemeinsamer Nenner ihre Liebe zur Hip-Hop-Kultur ist.

Einige der Porträts der blinden Menschen befinden sich in der Sammlung des Museum Folkwang sowie in der Photographischen Sammlung der SK Stiftung Kultur in Köln.

#3
Oliver Sieber, Die Blinden
Schaden com 2004

This catalog book was published to accompany the exhibition at the Leopold Hoesch Museum in Düren, curated by Kerstin Stremmel, who also authored the book’s text. Thank you, Kerstin.
At that time, I was especially interested in my role as an image producer. On the one hand, I was concerned with the question of what relevance (my) images have. On the other, I was exploring the relationship between myself and the people I encounter — those I photograph and those who later view these images. It was about the question of identity: how it arises, how it is ascribed, and how much it depends on gazes — those of others, but also my own. What does a gaze mean? What does a smile or a particular expression say? What expectations or dependencies arise from them? To this day, I am moved by the lines from Kerstin’s text about people who smiled into a camera present at their own execution.

What is an image — and for whom does it exist?
What is a gaze — and to whom is it directed?

I enjoy leafing through books with blank pages. Even if it seems paradoxical: the act of turning the pages is important. The gesture is decisive. Turning pages is like walking — a continuous movement in which one thing slowly gives way to another. I feel similarly about the process of photography. It was less an act of image production than a gesture of communication. The finished print almost seemed secondary to me.

The people I worked with were blind for different reasons: due to shock, (political) violence, accident, illness; some were born blind. It was wonderful that many of the people I photographed came to the opening, usually with companions who took on the role of mediation and interpretation. Talking about images without seeing them is a challenge.
During the work, a young woman said to me, “I want to look beautiful.” What does that mean? The photographed gaze can be a means of exerting or withdrawing control. Can photographs function as stand – ins for people, or are they rather mirrors? What role does photography play in the construction of identity? And how can I know what a person is thinking in the moment the image is created? Over the course of this project, it became very clear that photography did not play a central role here—at least not the one often ascribed to it.

At the same time, I was working on four other series: with young women who play football, with trans people, with women whose voices we knew from our mobile answering machines (D1/D2), and with teenagers whose smallest common denominator was their love of hip-hop culture.
Some of the portraits of blind people are now in the collection of the Museum Folkwang and the Photographic Collection of the SK Stiftung Kultur in Cologne.

More Information about works mentioned in the text:

#2
Citizens Handbook, Katja Stuke und Oliver Sieber
Schaden com 2004
Berlin/Lörick und CCTV

Im Rahmen unserer Zines erschien die Boehm #21b anlässlich einer Ausstellung in Düsseldorf. Für diese „B-Nummern“ hatten wir ganz neue Projekte realisiert, bzw. existierende Serien veröffentlicht; üblicherweise ging es in den Zines um die Veröffentlichung im Prozess – gelegentlich haben wir eine Ausnahme gemacht.

2001 hatte ich eine Nachtaufnahme eines Wohnblocks am Alexanderplatz in Berlin gemacht. Für mich das Agfa Haus. Es interessierte mich, wer in diesem beeindruckenden Komplex lebt. Das Ziel war es, möglichst alle Bewohner:innen zu fotografieren. Das ist mir natürlich nicht gelungen – aber die Mischung der Menschen ist faszinierend: Studierende aus Dänemark, queere Tänzer, eine Arbeiterin aus einer Zigarettenfabrik, ein pensionierter Atomforscher aus der DDR, Geflüchtete vor Pinochet aus Chile und viele andere interessante Personen.

In Düsseldorf waren wir häufig bei Freunden in ihrem Einfamilienhaus zu Besuch. Meistens waren wir abends dort, und so hatte ich, wie schon in Berlin, beschlossen, die Häuser der Siedlung nachts zu fotografieren. Um die Uhrzeit wirken sie besonders verschlossen. Später hatte ich auch hier den Kontakt zu den Bewohner:innen gesucht. In einem Gespräch hatte Ute Eskildsen mich einmal gefragt, ob ich nicht den Plattenbau romantisieren würden – in diesem direkten Vergleich würde ich für mich immer noch das Hochhaus der Einfamilienhaussiedlung vorziehen.

Katja hat für dieses Buch erste Motive ihrer Serie CCTV ausgewählt. Sie arbeitet mit der Videokamera, und fotografiert ausgewählte Frames,auf Negativ, vom Fernseh-Monitor ab. So entstehen Aufnahmen, die das städtische Leben wirken lassen wie Bilder von Überwachungskameras. Wo verlaufen die Grenzen zwischen öffentlich und privat, Anonymität und Vertrautheit und wie werden Bilder aus welchem Kontext wahrgenommen und bewertet.

Gefreut haben wir uns über Martin Sokols Textminiaturen. Danke Martin.
Im »Citizens Handbook« lässt sich bereits das Thema unser späteren gemeinsamen Arbeit erkennen: Was bedeutet Stadt? Wer konstruiert und kontrolliert sie, wer bestimmt wie wir uns in ihr orientieren – und was sie mit uns macht.

Ein schönes Wochenende mit einem kurzen Textauszug von Martin Sokol. „Wir waren jung. Sogar unsere Eltern waren jung. Wir wohnten in den neuen Siedlungen am Rand der alten Stadt. Zur Schule ging es vorbei an Rotdorn, Elfenbeinginster, Sanddorn, Buchsbäumen, Feldahorn, an Essig-Bäumen, kleinblättrigem Flieder, Azaleen, Forsythien und Feuerdorn. […] Nur Magnolien, die konnten wir nicht ausstehen. Wahrscheinlich wegen dem lichten Laub. Irgendwie sind sie nur Blüte. Aber das Leben braucht verdammt noch mal Schatten. Das wirkliche Leben, meine ich.«

#2
Citizens Handbook, Katja Stuke und Oliver Sieber
Schaden com 2004
Berlin/Lörick und CCTV

As part of our zines, Boehm #21b was published on the occasion of an exhibition in Düsseldorf. For these “B issues” we developed entirely new projects or published existing series; normally, the zines were focused on work-in-progress — but occasionally we made an exception.
In 2001, I took a night-time photograph of a housing block at Alexanderplatz in Berlin — for me, it will always be the Agfa House. I became interested in who lived in this striking complex. My aim was to photograph as many of the residents as possible. Of course, I didn’t manage to photograph everyone — but the mix of people is fascinating: students from Denmark, queer dancers, a woman working in a cigarette factory, a retired nuclear scientist from the former GDR, refugees from Chile who had fled Pinochet, and many other interesting individuals.

In Düsseldorf, we often visited friends who lived in a single-family home. We were usually there in the evening, so — much like in Berlin — I decided to photograph the houses of the neighborhood at night. At that hour, they appear especially closed-off. Later, I reached out to the residents there as well. In a conversation, Ute Eskildsen once asked me whether I might be romanticizing the Plattenbau — but in this direct comparison, I would still choose the high-rise over the single-family home.

For this book, Katja selected early motifs from her CCTV series. She works with a video camera and photographs selected frames — as negatives — directly from the television monitor. This process creates images of urban life that resemble surveillance-camera footage. Where do the boundaries lie between public and private, anonymity and familiarity? And how do images change depending on the context in which they are perceived and evaluated?

We were delighted about Martin Sokol’s miniature texts. Thank you, Martin. In Citizens Handbook, you can already sense the themes of our later collaborative work: What does a city mean? Who constructs and controls it? Who determines how we find our way within it — and what the city does to us?

Wishing you a wonderful weekend, with a short excerpt by Martin Sokol: “We were young. Even our parents were young. We lived in the new housing developments on the edge of the old city. On our way to school we passed red hawthorn, ivory broom, sea buckthorn, boxwood, field maple, sumac trees, small-leaved lilac, azaleas, forsythias, and firethorn. […] Only magnolias — those we couldn’t stand. Probably because of their sparse foliage. Somehow they are all blossom. But life, for God’s sake, needs shade. Real life, I mean.”

Further information can be found on my website, oliversieber.de, under Berlin/Lörick, and on katjastuke.de under works/CCTV.
The still-available, signed book by Katja and me will be in our online shop for one week.

More Information about Berlin/Lörick and CCTV:

#1
Deutsch – Young German Photography
Kruse Verlag Hamburg
Diese Reihe war als dreimonatiges Periodikum geplant mit der Absicht je
eine fotografische Position vorzustellen. Lars Kruse, und sein supertolles Team haben in der relativ kurzen Zeit des Bestehens wirklich gute Bücher gemacht. Wenn ich mich richtig erinnere, waren es 13 Bücher pro Jahr.

Für mich war dieses Buch Teil meines künstlerischen Kick-offs, und sogar vollständig finanziert. Es war – vor Imaginary Club – das am weitesten verbreitete Buch von mir, weltweit. Ich habe mich gefreut in Magazinen wie Dazed and Confused, the Face, Jetzt-Magazin etc. vertreten zu sein.

Übungsräume bilden den ersten Teildes Buchs, SkinModsTeds den zweiten. Lars Kruse traute den Portraits allein wohl nicht ganz, und so kamen die Übungsräume dazu, und das hat dann gut zusammen funktioniert. Sind ja auch fast zeitgleich entstanden.
Peter Lindhorst hat ein Gespräch mit mir geführt – mein erstes, glaube ich. Danke nochmal, Peter.

Gleichzeitig habe ich es einer Reihe von netten Leuten zu verdanken,
dass die 53 teilige Arbeit dann einen Platz in der photographischen Sammlung/ SK-Stiftung Kultur in Köln und in der Sammlung von Gerd Sander, gefunden hat. Als Ausgangsmaterial diente der wunderbaren 809er Polaroid-Film.

Kurz darauf stellte ich, zusammen mit K.H. Weinberger, in der Photographer’s Gallery in London aus. Einer meiner liebsten Orte zu der Zeit.
Einige Übungsräume befinden sich u.a.in der Sammlung des Kunstpalast Düsseldorf.

#1
Deutsch – Young German Photography
Kruse Verlag Hamburg
This series was planned as a quarterly periodical with the intention of presenting one photographic position at a time.
Lars Kruse and his fantastic team produced really great books during the relatively short period of the publishing house’s existence.

If I remember correctly, they published 13 books per year. For me, this book was part of my artistic kick-off — and even fully funded. Before Imaginary Club, it was my most widely distributed book worldwide. I was excited to be featured in magazines such as Dazed and Confused, The Face, Jetzt-Magazin, and others.

Übungsräume (Practice Rooms) forms the first part of the book, SkinModsTeds the second. Lars Kruse probably didn’t quite trust the portraits on their own, so the Practice Rooms were added — and it ended up working really well together. They were created almost at the same time, after all.
Peter Lindhorst conducted an interview with me — my first one, I believe.

Thanks again, Peter. At the same time, I owe it to a number of kind people that the 53-piece work eventually found a place in
the Photographic Collection / SK Stiftung Kultur in Cologne and in the collection of Gerd Sander. The wonderful Polaroid 809 film served as the source material.

Shortly afterwards, I exhibited at the Photographers‘ Gallery in London, together with K.H. Weinberger. One of my favourite places at the time.
Some of the Practice Rooms are, among other places, in the collection of Kunstpalast in Düsseldorf.

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